10 Filme mit den höchsten Bewertungen auf Letterboxd, die Sie noch nie gesehen haben, aber unbedingt sehen sollten

Dank der Universalität und Verbreitung des Kinos kann selbst der aufmerksamste Filmfan nicht behaupten, alle hoch angesehenen Filme gesehen zu haben, ganz zu schweigen von den unzähligen Werken, die außerhalb des Mainstreams existieren. Einer der besten Orte, um nach diesen übersehenen Juwelen zu suchen, ist Letterboxd.

Im Gegensatz zu den von Kritikern basierten Bewertungen von Metacritic und Rotten Tomatoes, stellen die Rankings von Letterboxd eine demokratischere Bewertung dar, was „großartiges“ Kino ausmacht. Jeder Filmfan kann sich anmelden, Filme bewerten und nach seinen eigenen Kriterien bewerten.

Zu den von Fans auf der ganzen Welt hoch bewerteten Filmen gehören viele Werke, die nicht aus Hollywood oder dem 21. Jahrhundert stammen und möglicherweise überraschende Casual-Zuschauer sind. Aber es wird sicherlich keine Neuigkeit für diejenigen mit tieferem Filweisen sein, denn sie verstehen, dass Kino die Zeit, den Ort, die Sprache und sogar die übereinstimmende Bedeutung des Spektakels überwindet. Und viele Filme beweisen dies.

Autumn Sonata (1978)

Ingmar Bergmans Autumn Sonata aus dem Jahr 1978, ein Familiendrama, wird von Kritikern hoch bewertet aus zwei Gründen. Erstens, weil es zwei der größten Obsessionen der Menschheit – Liebe und Kunst – gegeneinander ausspielt, ohne einen offensichtlichen Sieger, und zweitens, weil es dies mit erstaunlicher emotionaler Präzision tut.

Dies ist nicht zu erwähnen die beeindruckende Oscar-prämierten Leistung von Ingrid Bergman als die berühmte, abwesende Mutter-Pianistin, zusammen mit Liv Ullmann als ihre entfremdete Tochter. Bergman hat bereits einen Rekord von sieben Filmen in Letterboxd’s Top 250, und Autumn Sonata ist der höchste mit einer Bewertung von 4,5 von 5. Interessanterweise stammt die Inspiration für das Drehbuch aus persönlichen Erfahrungen mit ihren Eltern.

I’m Still Here (2024)

Viele waren neugierig, warum eine unbekannte brasilianische Produktion so viel Aufmerksamkeit erregte, als die Auszeichnungen für 2024 und 2025 näher rückten. Einige zweifelten sogar an der Glaubwürdigkeit des politischen Dramas in portugiesischer Sprache, das eine Nominierung für die beste Hauptrolle erhalten könnte. Solche Zweifel verschwinden jedoch, wenn man zwei Stunden der Familienresilienz inmitten einer brutalen Militärdiktatur in Walter Salles‘ I’m Still Here erlebt.

Basierend auf einem Buch, das auf realen Ereignissen basiert, dreht sich der Film um eine Frau, deren Ehemann im Zuge der Militärregierung Brasiliens für immer verschwindet. Zuschauer werden gezwungen, sich mit dem Ausmaß der Zerstörung auseinanderzusetzen, das externe gesellschaftliche Faktoren auf eine so intime und heilige Institution wie die Familie anwenden können.

Aber es sind die Opfer, die erforderlich sind, um diese Institution mit fünf (jetzt unwiderruflich auf vier reduziert) zu bewahren, selbst nach der Verwüstung, die I’m Still Here wirklich zu einem Kandidaten für die beste Hauptrolle gemacht haben. Gewalt und Brutalität werden weise im Hintergrund gelassen; die Emotionen, die durch Eunice Paviás beeindruckende Darstellung hervorgerufen werden, sind es nicht.

Ran (1985)

Akira Kurosawa, der gleiche Kopf hinter Seven Samurai und Yojimbo, dachte nie, dass sein persönliches Projekt, Ran, die finanzielle Unterstützung erhalten würde, die es zu verwirklichen benötigte. Er musste mit dem Zeichnen seines Traums auf Papier auskommen.

Dank des französischen Produzenten Serge Silberman wurde sein Traum Wirklichkeit, allerdings zu dem Preis, dass es sich um den teuersten japanischen Film aller Zeiten handelte. Somit wurde das Kino mit einem der größten Filme aller Zeiten gesegnet.

Kurosawa basiert Ran auf William Shakespeares Stück King Lear, in dem ein Bürgerkrieg im feudalen Japan nach der Fehlentscheidung eines Warlords, seinen Thron an seine drei Söhne (Töchter in Shakespeares Stück) abzugeben, ausbricht. Die Action-Szenen entlehnen zweifellos Steven Spielbergs Saving Private Ryan und Kurosawas eigenes Kagemusha, wobei das Blut unsentimental, schnell und grausam dargestellt wird.

City of God (2004)

Das brasilianische Krimedrama von Fernando Meirelles und Kátia Lund nimmt seinen Titel von dem Stadtteil Cidade de Deus (City of God) in einem der vielen Slums (Favela) von Rio de Janeiro, die den lebendigen Schauplatz des Films bilden. Armut, systemische Vernachlässigung und natürlich organisierte Kriminalität werden durch die Augen eines jungen, aufstrebenden Fotografen, Rocket (Buscapé), erlebt, während das Publikum zwei Jahrzehnte an Jugendliche und ihre Ambitionen beobachtet, die in einem Kreislauf der Gewalt gefangen sind.

City of God ist der am höchsten bewertete internationale Gangsterfilm auf Letterboxd und gewann 2004 vier Nominierungen für die Academy Awards, darunter Beste Regie und Bester adaptierter Drehbuch. Dadurch ebnete es den Weg für zukünftige brasilianische Spielfilme, wie I’m Still Here, um weltweit Anerkennung zu erlangen.

Oldboy (2003)

Ein Mann hält eine Faust in der Luft in Oldboy

Oldboy, der von Park Chan-wook inszenierte Film, hat den Protagonisten Dae-su (Choi Min-sik), der entführt und anschließend psychisch und physisch in Einzelhaft gehalten wird, ohne jemals über seine Verbrechen informiert zu werden. Als er nach 15 langen Jahren plötzlich freigelassen wird, übernimmt der Rachegedanke die Oberhand, und er verfolgt seinen Entführer in einer Geschichte, die sich zu dem richtig bezeichneten Urvater aller Wendungen entwickelt.

Wenn das beängstigend anregend klingt, ist es das auch. Es scheint, dass es sogar einen ebenso strengen Filmemacher wie Quentin Tarantino übermäßig begeistert hat, der während seines Grand-Prix-Siegs auf dem 2004er Cannes Film Festival der Jury-Präsident war.

Oldboy ist voll von allem, von einer jetzt ikonischen Szene, in der Dae-su einen ganzen lebenden Oktopus isst, bis hin zu einem berühmten Kampf in einer einzigen Einstellung. Es ist ein Film mit erschreckenden Bildern und Action, der auf Koreanisch gedreht wurde.

The Fifth Seal (1976)

Undoubtedly das größte Werk der ungarischen Filmindustrie, The Fifth Seal ist weder Dunkirk noch All Quiet on the Western Front. Aber die Verfilmung des Romans von Ferenc Sánta ist ebenso ein starker Kandidat für eines der tiefgründigsten Kriegsfilme aller Zeiten. Wie Darkest Hour verlässt The Fifth Seal die gewalttätige Darstellung des Zweiten Weltkriegs – fast die gesamte Handlung spielt in einer Kneipe.

Stattdessen reduziert es den Konflikt auf eine einfache Frage, die ein Barkeeper stellt: „Wollen Sie lieber als mächtiger, aber grausamer Tyrann leben, oder als machtloser, aber moralisch integerer Opfer dieses Tyrannen?“ Es ist ein moralisches Dilemma, das das Überleben gegen die moralische Integrität gegenüberstellt, insbesondere während des faschistischen autoritären Drucks, der Ungarn gegen Ende des Krieges erfasste.

Ein Publikum, das mit der Bibel vertraut ist, würde den Titel des Films als Bezug auf das Fünfte Siegel des Buches der Offenbarung erkennen, das moralische Rechenschaft und Urteil symbolisiert. Dass ein Film aus dem Ostblock den Cannes Film Festival Jury Prize gewinnen konnte, während des Kalten Krieges, sagt viel über die Universalität der Frage aus, die Zoltán Fábri’s The Fifth Seal wagt zu stellen.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

Clementine beobachtet, wie Joel schläft in Eternal Sunshine of the Spotless Mind

Jeder liebt ein glückliches Ende einer romantischen Geschichte, sei es im echten Leben oder auf dem Bildschirm. Eternal Sunshine of the Spotless Mind bietet jedoch etwas viel beunruhigenderes und nachhaltigeres.

In dem Film löschen das Paar Joel (Jim Carrey) und Kate (Clementine Kruczynski) die Erinnerungen des anderen nach ihrer Trennung aus. Der Prozess erweist sich als alles andere als schmerzlos für Joel, der allmählich erkennt, dass Liebe und Scheitern untrennbar sind. Mit anderen Worten, der Schmerz, den er auslöschen möchte, hat die Beziehung von Anfang an erst sinnvoll gemacht.

Das bittersüße Ende, der immense Wiedervorhaltswert und die kreative Alchemie zwischen Michel Gondry und Charlie Kaufman – eine der mächtigsten Autoren-Regisseur-Kombinationen – erklären, warum dieser Film weithin als eine der gefeiertsten Liebesgeschichten des 21. Jahrhunderts gilt. Es erklärt auch seinen Kultstatus und seine hohe Position auf Letterboxd.

Cinema Paradiso (1988)

Geschrieben und inszeniert von Giuseppe Tornatore mit einer BAFTA-prämierten Musik von Ennio und Andrea Morricone, gilt Cinema Paradiso als einer der besten Coming-of-Age-Filme aller Zeiten. Unter den italienischen Filmen auf Letterboxd rangiert nur The Good, the Bad and the Ugly (1966) höher.

Als der Titel andeutet („New Paradise Cinema“ auf Englisch), verkaufte der Film die Magie des Kinos selbst zusammen mit Liebe, Verbindung und Nostalgie an das italienische Publikum, als er 1988 seine Premiere hatte. Er stellt das Kino als einen Ort der Flucht und Vorstellungskraft für den jungen Salvatore Di Vita (Salvatore Cascio) aus der Realität seines von Krieg gezeichneten sizilianischen Dorf dar.

Cinema Paradiso ist die Geschichte eines Propheten, der in seiner Heimat nicht geschätzt wird. Das Publikum war nicht wirklich an dem Film interessiert, nicht bis nach dem Gewinn des Films 1989 mit dem Oscar als Bester ausländischer Film und dem Grand Prix du Jury auf dem Festival in Cannes.

Come and See (1985)

Es gibt einen Grund, warum Emil Klimows Kriegsfilm aus dem Jahr 1985, Come and See, einer der wenigen Filme ist, die auf Letterboxd mit 4,6 und mehr von 5 Punkten bewertet werden. Das liegt daran, dass nur wenige Filme im Kino den Zuschauer mit einer so unerbittlichen Ehrlichkeit über ein desensibilisiertes Thema konfrontieren.

Das Bild des Teenagers Flyora, der begeistert der sowjetischen Widerstandsgruppe beitritt, nur um von den Realitäten der Nazi-Besetzung seines belarussischen Dorfes im Zweiten Weltkrieg und dem damit verbundenen Leid und moralischen Zusammenbruch zu begegnen, verschwindet nicht einfach. Kurz gesagt, ist es zweifellos einer der größten Anti-Kriegsfilme der Filmgeschichte.

Come and See’s Weigerung, die psychologischen Auswirkungen des Krieges abzumildern, funktioniert ironischerweise zu seinem Nachteil: Es rangiert selten hoch auf der Liste der einfachen Empfehlungen. Die sowjetischen Behörden selbst frustrierten Klimovs Bemühungen, das Projekt öffentlich zu machen, da es den Krieg in einem Ausmaß entwertete, das als inkompatibel mit der sowjetischen Gesellschaft angesehen wurde.

Sieben Samurai (1954)

Die titelgebenden Samurai sitzen auf einem Hügel in Sieben Samurai

Ein weiteres Meisterwerk von Akira Kurosawa, Sieben Samurai, ist eine klassische Geschichte über die Vorteile von Teamwork und die Unterschiede zwischen den sozialen Schichten. Das Werk spielt im 16. Jahrhundert in Sengoku Japan und zeigt, wie die sieben titelgebenden Samurai (Ronin) von armen Bauern angeheuert werden, um ihr Dorf zu schützen und vor allem, um die Ernte vor Plünderern zu schützen, die jedes Erntejahr zurückkehren, um ihre Ernte zu stehlen.

Jeder Aspekt von Sieben Samurai ist akribisch ausgearbeitet: Von der Rekrutierung des titelgebenden Samurai Kambei durch die sechs verbleibenden Samurai, die jeweils ihre eigenen Fähigkeiten, Persönlichkeiten und Motive haben, bis hin zur sorgfältigen Zusammenarbeit zwischen den Dorfbewohnern und den Samurai, während sie sich auf den Kampf vorbereiten. Diese Erzählelemente sind auch in Filmen wie A Bug’s Life und Three Amigos zu finden.

Kurosawas mutiges Laufzeit von drei und einem halben Stunden mag Studios damals verunsichert haben, aber moderne Zuschauer wissen besser, dass man ein Film von drei Stunden nicht scheuen sollte. Besonders nicht ein Film, der regelmäßig zu den Lieblingsfilmen der Kritiker gehört.