¿Conoces estas canciones de rock clásicas? ¿Pero sabes qué pasó con las bandas?

En el panorama digital moderno, el “éxito de un solo éxito” ha sido redefinido por el ciclo de viralidad de internet, que es increíblemente rápido. Una canción puede dominar las feeds de TikTok durante tres semanas, acumular millones de reproducciones y desaparecer de la conciencia cultural antes de que termine el mes. Sin embargo, en la época dorada de la radio, lograr el estatus de “éxito de un solo éxito” era algo completamente diferente. Sin las burbujas curadas de Spotify o Apple Music, los oyentes estaban atados a las ondas de radio; si una canción llamaba la atención de un DJ, se convertía en la banda sonora de una nación. Se podría argumentar que esto es mejor que volverse viral.

Estos clásicos del rock poseen una “cultura monolítica” que hoy en día, los éxitos algorítmicos rara vez logran. Antes de los años 2000, un single de éxito creaba una ola que sostenía carreras durante décadas. Ya fuera la energía cruda de una banda de garage que llegaba a la cima o un proyecto de estudio que atrapaba el rayo, estas canciones se convirtieron en elementos permanentes en el libro de canciones global, reconocibles para generaciones nacidas mucho después de que dejaran de girar los discos de vinilo.

Mientras que estos artistas quizás nunca hayan recuperado su lugar en el Top 40, muchos se convirtieron en íconos de culto, continuando con actuaciones para bases de fans fervientes mucho después de que las torres de radio se movieron. Hoy en día, no puedes caminar por un supermercado, ver un tráiler de una película de éxito o asistir a una barbacoa en el patio sin escuchar estos riffs familiares. Sin embargo, mientras que las canciones siguen siendo ineludibles en 2026, las historias de los artistas detrás de ellas —dónde fueron, qué han hecho desde entonces y dónde están ahora— siguen siendo algunos de los misterios más fascinantes del rock.

10 Black Betty By Ram Jam

Lanzada en 1977, Alcanzó la Posición #18

“Black Betty” ha existido mucho antes de que Ram Jam la tomara para su versión de rock pesado. La canción se atribuye más comúnmente al legendario músico de blues Lead Belly por su grabación de 1939. La canción podría tratarse de una mujer llamada Betty, una forma de referirse al whisky, o incluso un látigo utilizado por los guardias de prisión en el sur.

La versión de Ram Jam de la canción pierde el corazón de la original. Sin embargo, es innegable que esta versión tiene una forma de quedarse en tu mente. Las voces de Myke Scavone son impresionantes, y el sonido audaz de la canción tiene todas las características de un éxito de rock. Sin embargo, las versos adicionales sobre el modelo de pin-up, Bettie Page, escritos por Bill Bartlett de Ram Jam, y la velocidad con la que se entregan las letras, hacen que la canción carezca de claridad.

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Transforma una canción de trabajo impregnada de la historia y la lucha de la comunidad negra en otra canción de rock incomprensible, que presenta solos de guitarra sobre el contenido lírico. Esto contrasta marcadamente con el disco de Lead Belly, que solo presenta la voz del cantante y aplausos esporádicos.

Hoy en día, Ram Jam ya no existe, pero el legado de su “Black Betty” perdura. La banda con sede en Nueva York tuvo muy poco éxito después del éxito repentino de “Black Betty”. Parece que el fracaso de su álbum, Portrait of the Artist as a Young Ram, provocó que la banda se separara solo un año después de su breve fama. Hoy en día, los miembros de la banda se han dispersado en otras actividades: Scavone gira con The Yardbirds y The Doughboys, y el guitarrista Jimmy Santoro enseña música.

9 Louie Louie By The Kingsmen

Lanzada en 1963, la canción de rock más cubierta

“Louie Louie” es otro caso clásico de una versión que tuvo más éxito que cualquier otra de su propia música. Los Kingsmen no fueron los primeros en grabar la canción de rhythm and blues clásica de Richard Berry de los años 50, pero sí fueron los más exitosos. “Louie Louie” es una de las canciones de rock ‘n’ roll más versionadas del mundo, con más de 2.000 grabaciones. Muchos de los grandes leyendas de la música se unieron a esta tendencia: Motörhead, Otis Redding, The Beach Boys, Blondie, The Kinks, Lou Reed y muchos otros tienen una versión de esta canción.

La versión de Kingsmen de la canción original de Berry incorpora el sonido emergente del rock ‘n’ roll al blues de la original sin perder el encanto de la canción. La interpretación vocal nasal y relajada de Jack Ely vende esta canción, haciéndola sentir como una sesión relajada a la que puedes desconectar y bailar. Los Kingsmen lograron el equilibrio perfecto entre hacer que una canción sea propia sin sacrificar el encanto caribeño de la original.

Aunque los Kingsmen nunca encontraron el éxito en las listas de éxitos de nuevo, definitivamente no desaparecieron del conocimiento público.

El éxito cultural de la canción trajo a los Kingsmen tantas bendiciones como maldiciones. La gente no entendía lo que Jack Ely estaba cantando y a menudo inventaban sus propias letras que eran muy explícitas. Esto provocó que el FBI iniciara una investigación sobre la canción, que en realidad era bastante tonta.

Aunque The Kingsmen nunca encontraron nuevamente el éxito en las listas, ciertamente no desaparecieron del conocimiento del público. La banda realizó giras con The Beach Boys en 1964 y continuó trabajando en el estudio. Tenían muchas canciones y álbumes que ocupaban los primeros puestos de la lista Billboard. El grupo pudo realizar giras juntos durante décadas, mientras que “Louie Louie” continuaba encontrando nuevas oportunidades en comerciales y películas como National Lampoon’s Animal House. Lamentablemente, solo dos miembros de la original formación de “Louie Louie” siguen vivos en la actualidad: Bob Nordby y Don Gallucci.

8 Spirit In The Sky By Norman Greenbaum

Lanzada en 1969

Muchos artistas de un solo éxito son imprescindibles en las fiestas. Son tan bailables, llenas de energía y contagiosas que se propagan como la pólvora. Por otro lado, estas canciones de un solo éxito también pueden ser más sentimentales. Conquistan a los oyentes con su sincera emoción. “Spirit in the Sky” es, sin duda, una de esas canciones con mucho impacto emocional.

No se equivoquen, la canción de Norman Greenbaum sigue siendo un éxito de rock. Los riffs de guitarra distorsionados y el ambiente gospel festivo hacen que esta canción sobre encontrarse con Dios, se sienta ligera y divertida. A pesar de que la canción gira en torno a la alegría de conocer a Dios y a Jesús en el cielo, Greenbaum es judío.

Aunque Norman Greenbaum nunca volvió a alcanzar la cima de las listas de éxitos, no está desamparado. Inicialmente, Greenbaum experimentó la típica experiencia del “hit” de una sola canción. Después de que su canción desapareciera de la memoria de la gente, el dinero también desapareció. Se convirtió en cocinero para pagar las facturas, pero la canción pronto volvería a generar ingresos. Greenbaum le dijo a The New York Times que, aunque la canción no le ha hecho rico, no tiene que trabajar en absoluto, viviendo de las regalías de este éxito inmortal.

La canción ha aparecido en tantos gigantes de la cultura pop: Apollo 13, Suicide Squad, Wayne’s World 2, The Founder, Ocean’s Eleven, y en los anuncios de algunas de las marcas más grandes del mundo. Como intérprete de la canción, recibe un porcentaje cada vez que una empresa paga por el derecho a utilizar su canción. A sus 80 años, Greenbaum todavía está interpretando la canción hoy en día.

7 Mississippi Queen By Mountain

Lanzada en 1970, Alcanzó la Posición #21

Si eres de la Generación Z, tu primer contacto con esta canción puede haber sido en un episodio de Regular Show, cuando Benson intenta un desafío gastronómico, lo que lleva a una alucinación acompañada por esta canción. Desde que vi este episodio de niño, la canción ha quedado grabada en mi cabeza.

La introducción de la canción, con el solo de guitarra, es poderosa y llena de emoción. Impacta con el icónico “raspa” de Leslie West, lo que le da a la canción un verdadero carácter. Según Louder Sound, Corky Laing tuvo que llenar un espacio en el set debido a problemas técnicos y repetía “Mississippi Queen, ¿entiendes lo que quiero decir?“, enfatizando la línea con el icónico cascabel de la canción. La línea fue inspirada por una hermosa chica que vio a su amigo en el concierto.

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La primera introducción de Mountain a un público amplio fue su actuación en Woodstock ’69, lo que abrió el camino para que “Mississippi Queen” fuera tan grande. Mountain no es un grupo de una sola canción que fracasó en los años después de su gran éxito. El álbum que incluía “Mississippi Queen”, Climbing!, y su siguiente lanzamiento, Nantucket Sleighride, fue un éxito para la banda y los mantuvo en la carretera durante los próximos dos años.

Sin embargo, la banda se disolvió trágicamente en 1972, siendo la principal razón que el bajista, Felix Pappalardi, estaba perdiendo la audición en sus conciertos. West y Laing tocaron brevemente en la superbanda de rock West, Bruce, and Laing con Jack Bruce de Cream. Mountain se reformó para aprovechar una gira en Japón, pero se disolvió de nuevo al año siguiente. La carrera musical de Leslie West duró hasta el día de su muerte en 2020. Pappalardi murió en 1983, poco después de producir su último álbum.

6 Play That Funky Music By Wild Cherry

Lanzada en 1976, alcanzó el estatus de platino en EE. UU.

“Play That Funk Music” de Wild Cherry es el tipo de canción que te hace pensar, ¿cómo es que Wild Cherry fue un éxito de un solo hit? El groovy jam se siente como en casa con canciones funk de nombres conocidos, lanzadas alrededor del mismo tiempo, como “Fame” de David Bowie y “Hot Stuff” de los Rolling Stones. La canción subió en las listas, capturando perfectamente el espíritu musical de la década de 1970. La gloriosa vista desde la cima del Billboard Hot 100 fue del grupo para disfrutar durante tres semanas triunfales, pero después de 1976, la banda nunca volvió a alcanzarlo.

La icónica letra “play that funky music white boy” surgió de una simple chispa de inspiración. Según Stereogum, mientras tocaban en el club 2001 de Filadelfia, un asistente preguntó a la banda “¿van a tocar música funky, chicos blancos?” Rob Parisi, el líder de la banda, sintió que había encontrado el oro cuando escuchó esta pregunta. Inmediatamente comenzó a escribir “Play That Funky Music” en un bloc de notas justo en ese momento.

Hoy en día, los responsables de Wild Cherry, Parissi, se han convertido en productor, dejando atrás la electricidad del funk.

Después de su gran éxito en la radio, Wild Cherry lanzó tres álbumes: Electrified Funk, I Love My Music y Only The Wild Survive. Estos álbumes tuvieron un éxito moderado que gradualmente disminuyó. El primero alcanzó el número 51 en las listas de éxitos estadounidenses, el siguiente llegó al número 83, y finalmente su último álbum nunca llegó a las listas. A lo largo de la grabación y las giras de estos álbumes, la formación de la banda experimentó muchos cambios.

Bryan Basset en la guitarra dejó la banda y comenzó a tocar con Foghat en 1978. El músico de bajo y sintetizador, Allen Wentz, dejó la banda ese mismo año. De la última formación de Wild Cherry, Rob Parissi es el único miembro superviviente del grupo original de 1970. Hoy en día, Parissi, el cerebro detrás de Wild Cherry, se ha convertido en productor, dejando atrás la energía del funk para adoptar el ambiente contemplativo del jazz.

5 Come On Eileen de Dexys Midnight Runners

Lanzada en 1982, Mejor Single Británico en 1983

Esta fusión de folk-pop-rock es omnipresente en cualquier reunión social, especialmente cuando las generaciones familiares se reúnen. Recientemente, la megaestrella pop Sabrina Carpenter hizo una versión de este clásico de los 80 en su parada de gira en Londres.

Puede que no lo crean, pero esta alegre canción también tiene su parte de controversia. En los 80, Dexys Midnight Runners estuvieron plagados de conflictos internos. Los dos Kevins del grupo, Rowland y Archer, no veían las cosas de la misma manera, y Archer se sentía sofocado por Rowland. Al final, la banda no era lo suficientemente grande para los dos, y Archer se marchó para unirse a una nueva empresa, The Blue Ox Babes, llevándose consigo al trompetista, Tim Paterson.

Aunque Archer dejó la banda, parece que no se llevó todo consigo. Cuando “Come On Eileen” se convirtió en un gran éxito en el Reino Unido y llegó a la cima de las listas de éxitos en los Estados Unidos, Archer sintió que había sido engañado. “Come On Eileen” sonaba como una canción que él escribió y grabó como demo, algo que había mostrado previamente a Rowland. Si bien Rowland eventualmente confesaría que sí se había inspirado en la cinta, aún mantenía su postura de que la mayor parte de la canción era original.

La banda se disolvió unos pocos años después del éxito que fue “Come On Eileen”. Rowland estaba perdiendo interés en la banda y aparentemente intentaba reimaginar su sonido con cada nueva publicación. Su lucha con las drogas y la sensación de que no podía hacer algo mejor que el álbum de la banda Don’t Stand Me Down llevó a la caída del grupo. A pesar de las dificultades, Rowland sabía que tenía algo especial en “Come On Eileen” y seguía intentando reconstruir la banda con un nuevo grupo de músicos cada pocos años.

En 2003, el renacimiento finalmente tuvo éxito, y la banda estaba grabando de nuevo con dos miembros originales: Kevin Rowland y Pete Williams. Décadas después de su éxito, el grupo Dexy Midnight Runners simplemente se convirtió en Dexys en 2011. Hoy, la nueva formación de Dexys todavía está haciendo música, y Kevin Rowland está lanzando un libro en el verano de 2025.

4 Hooked On A Feeling By Blue Swede

Lanzada en 1973, alcanzó el puesto #1

“Hooked On A Feeling” es una canción que parece estar impregnada de magia. Esta canción trasciende el tiempo de una manera que muy pocas canciones son capaces de lograr. La primera versión de la canción fue escrita y grabada por B.J. Thomas en 1968. La original era un pop clásico de los ’60 con un toque de blues y soul que los artistas negros crearon y perfeccionaron antes de que se popularizara. Solo cinco años después, Blue Swede encontraría el punto ideal de esta canción.

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El grupo sueco tomó la canción muy sincera y añadió un toque juguetón y divertido al sonido, que es un susurro de los ’80 que estaban por venir. La canción juega a la perfección con la tensión y el alivio, comenzando con la sección a capella “ooga-chaka” que establece el trabajo en equipo del grupo y cómo suena la banda. La poderosa entrega del título de la canción te golpea aún más con los dos golpes acentuados que la preceden.

El brillante grupo glam solo estuvo juntos durante seis años, disolviéndose en 1979. Antes de eso, otra canción alcanzó el número 10 en las listas de éxitos estadounidenses con “Never My Love” en 1974. Bjorn Skifs continuó con una carrera en solitario como vocalista después de la disolución del grupo. Representó a Suecia en Eurovisión dos veces en su carrera en solitario.

3 Brandy (You’re A Fine Girl) By Looking Glass

Lanzada en 1972, alcanzó el puesto número 1

“Brandy (You’re A Fine Girl)” de Looking Glass va desde declaraciones tranquilas hasta explosivas de admiración. La historia de Elliot Lurie sobre un marinero dividido por su pasión y la mujer de sus sueños sigue hablando a las audiencias de hoy en día. En Tik Tok, se han creado más de 10,000 videos con esta canción, que fue lanzada cuarenta años antes del lanzamiento de la aplicación.

Lurie escribió la canción pensando en una chica en particular: su novia de la escuela, Randy. Aunque la canción no es un retrato de sus vidas, recordarla le permitió escribir esta canción sobre un marinero que nunca podrá establecerse con la camarera que ama. A pesar de lo que dicen las leyendas urbanas, Brandy no es una persona real que haya existido, según Lurie.

La canción hizo posible que Lurie cumpliera sus sueños de ganarse la vida tocando música.

Esta canción de rock, con influencias pop, elevó a Looking Glass al número uno en las listas, y a los oyentes no les bastaba con escucharla. Sin embargo, este rock dulce no reflejaba la adhesión de la banda al rock. La banda de Nueva Jersey alcanzó alturas inesperadas cuando su éxito los llevó de las fraternidades a giras a nivel nacional. Los cuatro jóvenes hombres vivieron los sueños de rock ‘n’ roll de sus compañeros en la década de 1970, tocando junto a y abriendo para grandes artistas: Jeff Beck, The Eagles, Emerson Lake and Palmer, y más.

Para Lurie, la canción hizo posible sus sueños de ganarse la vida tocando música. Si de alguna manera sientes que eres demasiado joven para conocerlo por su éxito “Looking Glass”, quizás lo conozcas como el autor de la canción de “Lizzie McGuire”. Para algunos de sus compañeros de banda, fue simplemente una épica aventura secundaria.

El baterista Jeff Grob regresó a la universidad donde se formó la banda, Rutgers, y estudió para convertirse en arquitecto paisajista. El pianista Larry Gonsky llevó sus talentos musicales a la aula, donde encuentra alegría enseñando a los músicos del futuro. Cerca de veinte años después de su éxito único, el compositor y bajista, Peter Sweval, falleció en 1990.

2 Layla de Derek & The Dominoes

Lanzada en 1971, la 27ª canción más grande de Rolling Stone de todos los tiempos

Cuando Derek & The Dominoes lanzaron su canción “Layla”, no podían haber sabido cuántas personas llevarían ese nombre en los años venideros. Esta canción tiene uno de los riffs más icónicos de toda la música rock. Aunque el riff principal de la canción puede volverse repetitivo, nunca me canso de escuchar la triunfal melodía resonando bajo las voces robustas y poderosas de Eric Clapton.

“Layla” fue escrita sobre el infame triángulo amoroso que enfrentó a George Harrison y Eric Clapton. Clapton estaba enamorado de la esposa de Harrison, Pattie Boyd. Puede parecer extraño al principio, ya que Pattie y Layla no tienen ninguna similitud en los nombres, así que ¿cómo llegó a elegir este nombre? Clapton se identificó personalmente con la historia de Layla y Majun, un poema épico sobre un poeta que se enamoró de una mujer, pero no pudo estar con ella porque su padre la obligó a casarse con otro hombre.

Esta banda tiene una alineación de estrellas, así que ¿cómo lograron ser un éxito de una sola canción? La banda fue creada intencionalmente para pasar desapercibida. Eric Clapton podría haber puesto su nombre y liderado giras exitosas con su nueva banda de estrellas, pero quería que el proyecto permaneciera humilde. El grupo también fue de corta duración, solo actuando y grabando juntos durante un año antes de que las tensiones personales y las dificultades, alimentadas por el consumo de sustancias, arruinaran la banda.

Eric Clapton se considera un artista fundamental en la guitarra rock. Muchos lo colocarían en su lista de los mejores guitarristas de todos los tiempos. La carrera musical de Clapton ha sido marcada por innumerables éxitos: Yardbirds, Cream, Blind Faith, y su trabajo en solitario, para mencionarlo solo. Bobby Whitlock, quien interpreta la icónica sección de piano de “Layla”, continuó utilizando su increíble talento en su trabajo en solitario y en sesiones de estudio para sellos discográficos. Duane Allman era, nada más y nada menos, el líder de la Allman Brothers Band.

El baterista y co-autor de “Layla”, Jim Gordon, es ahora conocido por haber asesinado trágicamente a su madre mientras luchaba contra la esquizofrenia no diagnosticada en 1983. El guitarrista, Dave Mason, es conocido como miembro fundador de Traffic, pero después de Derek & the Dominoes, tuvo un breve período en los años 90 con Fleetwood Mac. El bajista, Carl Radle, continuó trabajando como músico de sesión y tocó con la banda Colours después de su tiempo con Clapton.

1 Dancing In The Moonlight By King Harvest

Lanzada en 1972, Alcanzó la Posición #13

Menciones de agresión/violación sexual.

“Dancing in the Moonlight” contiene una línea de piano eléctrico que es tan impresionante y agradable que casi con seguridad inspiró a una generación de músicos a comenzar a tocar el piano. El éxito de King Harvest es la definición de una canción relajada y fácil de escuchar. Desde las cintas de verano hasta las listas de reproducción de verano modernas, esta canción es la banda sonora de un verano con las ventanas bajadas y durando hasta las primeras horas de la mañana.

Sherman Kelly escribió “Dancing in the Moonlight” después de lo que probablemente fue la experiencia más traumática de su vida (The Vinyl Dialogues). Kelly y un grupo de sus amigos decidieron alquilar un yate para hacer un viaje lujoso a St. Croix, pero Kelly no pudo encontrar el equilibrio en el mar. Debido a náuseas intensas, se bajó del barco con su novia y trató de alojarse en un hotel, pero la pareja fue rechazada en cada puerta. En última instancia, decidieron simplemente pasar la noche en la playa hasta la mañana.

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El éxito en las listas de éxitos no siempre se alinea con la verdadera grandeza musical, y ciertamente no es donde suele nacer esa grandeza.

En la noche, la pareja fue atacada por un grupo de hombres que los golpearon brutalmente, y su novia fue violada. La pareja llegó a un hospital con el poco conocimiento que habían recuperado, y sus posibilidades de supervivencia parecían sombrías. Después de sobrevivir a una experiencia tan aterradora, Kelly encontró consuelo escribiendo las letras de “Dancing in the Moonlight”, en las que imaginó una noche y un mundo donde su experiencia en la playa había sido bañada por el sol y hermosa.

King Harvest se disolvió en 1976 y los miembros se separaron. Wells Kelly, el hermano de Sherman, se reconectó con antiguos compañeros de su primera banda, Boffalongo, para formar una nueva banda llamada Orleans. Sherman Kelly dejó de trabajar en la música después de la muerte de su hermano, Wells. Regresó a una de sus pasiones antes de King Harvest, la psicología, convirtiéndose en psicoterapeuta. El cantante de “Dancing in the Moonlight”, Dave ‘Doc’ Robinson, también tocó en Orleans y en una banda llamada Celebration después de su tiempo en King Harvest.