10 Najlepszych Filmów na Letterboxd, Które Nigdy Nie Widziałeś, Ale Powinieneś

Dzięki uniwersalności i rozpowszechnieniu kina, nawet najbardziej spostrzegawczy miłośnik kina nie może pochwalić się, że widział wszystkie najbardziej cenione filmy, a co dopiero niezliczone dzieła, które istnieją poza głównym nurtem. Jednym z najlepszych miejsc do poszukiwania tych pominiętych perełek jest Letterboxd.

W przeciwieństwie do Metacritic i Rotten Tomatoes, które opierają się na ocenach krytyków, rankingi Letterboxd stanowią bardziej demokratyczną ocenę tego, co stanowi „wspaniałe” kino. Każdy miłośnik kina może się zalogować, recenzować i oceniać filmy według własnych preferencji.

Spośród filmów, które fani na całym świecie wysoko oceniają, znajdują się wiele filmów, które nie są z Hollywood ani z XXI wieku, i które mogą zaskoczyć przypadkowych widzów. Ale to na pewno nie będzie zaskoczeniem dla osób z głębszą wiedzą o filmie, ponieważ rozumieją, że kino przekracza czas, miejsce, język, a nawet ustalony sens spektaklu. I wiele filmów to udowadnia.

Autumn Sonata (1978)

Film rodzinny Ingmara Bergmana z 1978 roku, Autumn Sonata, jest wysoko oceniany przez krytyków z dwóch powodów. Po pierwsze, za to, że stawia przeciwko sobie dwie z obsesji ludzkich – miłość i sztukę – bez wyraźnego zwycięzcy, a po drugie, za to, że robi to z niezwykłą emocjonalną precyzją.

To nie wspominać o imponującej, nagrodzonej Oscarowo roli Ingrid Bergman jako słynnej, nieobecnej matki pianistki, obok Liv Ullmann jako jej oddalonej córki. Bergman ma już siedem filmów w Top 250 na Letterboxd, a Autumn Sonata jest najwyżej ocenianym z tej listy, z oceną 4.5 na 5. Co ciekawe, inspiracją dla scenariusza są osobiste doświadczenia autora z jego rodzicami.

I’m Still Here (2024)

Wiele osób zastanawiało się, dlaczego nieznana brazylijska produkcja zyskuje tak duże zainteresowanie, w miarę zbliżania się sezonu nagród 2024 i 2025. Niektórzy nawet kwestionowali, czy portugalska polityczna dramaturgia otrzyma nominację do nagrody za najlepszy film. Takie wątpliwości ustępują, oglądając dwie godziny opowieści o odporności rodziny w obliczu brutalnego reżimu wojskowego, jak w filmie I’m Still Here w reżyserii Waltera Salles.

Adaptacja powieści opierającej się na prawdziwych wydarzeniach, film koncentruje się na kobiecie, której mąż zostaje „na zawsze” w Brazylii, w obliczu reżimu wojskowego. Widzowie są zmuszeni do konfrontacji z rozmiarem zniszczeń, jakie zewnętrzne czynniki społeczne mogą wyrządzić instytucji tak intymnej i świętej, jak rodzina.

Jednak to poświęcenia wymagane do zachowania tej instytucji z pięciu (teraz nieodwracalnie zmniejszonej do czterech), nawet po katastrofie, sprawiły, że I’m Still Here stał się prawdziwym kandydatem do nagrody za najlepszy film. Przemoc i brutalność są sprytnie ukryte w tle; emocje, wywołane przez oszałamiającą kreację Eunice Pavia, są w centrum uwagi.

Ran (1985)

Akira Kurosawa, ten społeczności Seven Samurai i Yojimbo, nigdy nie przypuszczał, że jego osobny projekt, Ran, otrzyma finansowanie potrzebne do jego realizacji. Musiał zadowolić się dziesięcioletnim rysowaniem swojego marzenia na papierze.

Dzięki francuskiemu producentowi Serge Silbermanowi, jego marzenie stało się rzeczywistością, choć kosztem uczynienia go najdroższym japońskim filmem w historii. W ten sposób kino zostało obdarowane jednym z najlepszych filmów, jakie kiedykolwiek powstały.

Kurosawa opiera Ran na dramacie Williama Szekspira Król Lear, w którym rozgrywa się wojna domowa w feudalnym Japonii po tym, jak decyzja wójta o abdykacji tronu dla swoich trzech synów (córek w dramacie Szekspira) idzie nie do końca. Sceny akcji, bez wątpienia, czerpią inspirację z Saving Private Ryan Stevena Spielberga i własnego filmu Kurosawy, Kagemusha, w których krew jest przedstawiana w sposób bezemocjonalny, szybki i bezwzględny.

City of God (2004)

Brazylski dramat kryminalny Fernando Meirelles i Kátia Lund, noszący tytuł City of God, czerpie nazwę z dzielnicy Cidade de Deus (City of God) w jednej z wielu favel (osiedli slumsów) w Rio de Janeiro, które stanowią tło filmu. Ubóstwo, systemowe zaniedbanie i, oczywiście, przestępczość zorganizowana są przedstawiane oczami młodego, aspirującego fotografa, Rocket (Buscapé), podczas gdy widz obserwuje dwa dziesięciolecia młodych ludzi i ich ambicje uwięzione w cyklach przemocy.

Miasto Boga to najbardziej wysoko oceniony międzynarodowy film gangsterski na Letterboxd i zdobył cztery nominacje do nagród Akademii w 2004 roku, w tym za Najlepszego Reżysera i Najlepszy Scenariusz Adaptowany. Dzięki temu otworzył drogę dla przyszłych brazylijskich filmów fabularnych, takich jak Jestem Nadal Tutaj, aby zyskać uznanie na całym świecie.

Oldboy (2003)

Człowiek trzyma młot w powietrzu w Oldboy

Reżyserowany przez Park Chan-wook, Oldboy przedstawia protagonistę, Dae-su (Choi Min-sik), który zostaje porwany i następnie poddawany psychologicznemu i fizycznemu torturowaniu w samotności, bez tego, aby dowiedzieć się, jakiego przestępstwa się dopuścił. Kiedy zostaje nagle zwolniony po 15 latach, zemsta przejmuje kontrolę, a on ściga swojego oprawcę w historii, która rozwija się i może być poprawnie określona jako ojciec wszystkich zwrotów akcji.

Jeśli to brzmi morbidnie, to tak właśnie jest. Wydaje się, że to wystarczy, aby nawet konserwatywny reżyser, taki jak Quentin Tarantino, który był prezesem jury podczas jego wygranej Grand Prix na Festiwalu Filmowym w Cannes w 2004 roku, był wystarczająco podekscytowany.

Oldboy jest pełen wszystkiego, od teraz ikonicznej sceny, w której Dae-su połyka żywego oślego, po słynną walkę w korytarzu, nagrana w jednym ujęciu. Wszystko to to przerażające obrazy i akcja, zamknięta w filmie w języku koreańskim.

The Fifth Seal (1976)

Niewątpliwie największym osiągnięciem kinematografii węgierskiej jest The Fifth Seal, który nie jest Dunkirk ani All Quiet on the Western Front. Jednak adaptacja powieści Ferenca Sánty jest równie mocną kandydatką na jedno z najbardziej głębokich filmów o wojnie, jakie kiedykolwiek powstały. Podobnie jak Darkest Hour, The Fifth Seal porzuca spektakularną przemoc II wojny światowej – niemal cały film rozgrywa się w pubie.

Zamiast tego, film sprowadza konflikt do prostego pytania zadawanego przez barmana: „Czy wolisz żyć jako potężny, ale okrutny tyran, czy jako bezsilny, ale moralnie uczciwy ofiarą tego tyrana?” To dylemat moralny, który stawia survival przeciwko moralnej integralności, zwłaszcza w okresie faszystowskiego autorytarnizmu, który uderzył w Węgry pod koniec wojny.

Osoby znające Biblię rozpoznają tytu filmu jako odniesienie do piątego rozdziału Księgi Objawienia, który symbolizuje sprawiedliwość i osąd. Fakt, że film z bloku wschodniego mógł wygrać nagrodę Jury Festiwalu Filmowego w Cannes w szczytowym okresie Zimnej Wojny, mówi wiele o uniwersalności pytania, które zadaje Zoltán Fábri w swoim filmie The Fifth Seal.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

Clementine obserwująca, jak Joel śpi w Eternal Sunshine of the Spotless Mind

Każdy lubi szczęśliwy koniec romantycznej historii, zarówno w życiu, jak i na ekranie. Jednak Eternal Sunshine of the Spotless Mind oferuje coś znacznie bardziej niepokojącego i trwałego.

W filmie para Joel (Jim Carrey) i Kate (Clementine Kruczynski) usuwają sobie wspomnienia po rozstaniu. Proces okazuje się czymś, co wcale nie jest przyjemne dla Joela, który stopniowo zdaje sobie sprawę, że miłość i niepowodzenie są nierozłączne. Innymi słowy, to właśnie ból, którego on chce usunąć, dał relacji początkowy sens.

Słodko-gorzki koniec, ogromna wartość do ponownego oglądania i kreatywna alchemia między Michel Gondry a Charlie Kaufman – jednym z najbardziej wpływowych duetów reżysera i scenarzysty – wyjaśniają, dlaczego ten film jest powszechnie uważany za jedną z najbardziej cenionych historii miłosnych w kinie XXI wieku. Wyjaśniają również jego status kultowego filmu i wysokie pozycje na Letterboxd.

Cinema Paradiso (1988)

Napisan i wyreżyserowany przez Giuseppe Tornatore, z nagrodzoną BAFTA muzyką Ennio i Andrea Morricone, Cinema Paradiso jest uważany za jeden z najlepszych filmów o przejściu w dorosłość. Spośród filmów włoskich na Letterboxd, tylko The Good, the Bad and the Ugly z 1966 roku zajmuje wyższą pozycję.

Jak tytuł sugeruje („New Paradise Cinema”), film ten sprzedał włoskiemu odbiorcy magię samego kina, obok miłości, połączenia i nostalgii, kiedy swoją premierę miał w 1988 roku. Przedstawia kino jako przestrzeń ucieczki i wyobraźni dla młodego Salvatore Di Vita (Salvatore Cascio) z rzeczywistości jego wojowego sicylijskiego miasteczka.

Cinema Paradiso to opowieść o proroku, który nie jest doceniany w swoim rodzinnym mieście. Lokalny odbiorca nie był szczególnie zainteresowany filmem w kinach, dopóki film nie zdobył w 1989 roku nagrody Oscar za Najlepszy Film Językiem Obcym oraz Grand Prix du Jury na Festiwalu w Cannes w tym samym roku.

Come and See (1985)

Istnieje powód, dla którego epickie dzieło wojenne Emila Klimowa z 1985 roku, Come and See, jest jednym z nielicznych filmów, które otrzymują ocenę 4,6 i więcej na 5 w Letterboxd. Wynika to z faktu, że niewiele filmów w kinie konfrontuje widza z tak nieustanną szczerością w odniesieniu do tematu, który jest trudny do zaakceptowania.

Widok nastolatka Flyory, który z entuzjazmem dołącza do ruchu oporu, a następnie staje w obliczu realiów okupacji nazistowskiej jego białoruskiego miasteczka podczas II wojny światowej i cierpienia oraz moralnego upadku, towarzyszącego temu, nie znikają łatwo. Mówiąc wprost, jest to prawdopodobnie jeden z najlepszych filmów antywojnych w historii kina.

„Zobacz i powiedz” odrzucając możliwość złagodzenia psychologicznych skutków wojny, paradoksalnie działa na jego wady: rzadko pojawia się na listach polecanych filmów. Samol władzy frustrowały wysiłki Klimowa, aby ujawnić ten projekt, ponieważ de-gloryfikował wojnę w takim stopniu, że uważano, że jest to niezgodne z radzieckim społeczeństwem.

Siedmiu samurajów (1954)

Tytułowi samuraje siedzą na wzgórzu w Siedmiu samurajach

Kolejny z wielu arcydzieł Akiry Kurosawy, Siedmiu samurajów, to klasyczna opowieść o korzyściach z pracy zespołowej i podziałach społecznych. Osadzony w 16. wieku w Sengoku Japan, tytułowi siedmiu samurajów (ronin) zostaje zatrudniony przez biednych rolników, aby chronić ich wioskę i, co najważniejsze, produkcję przed grabieżcami, którzy wracają co roku podczas zbiorów, aby ukraść ich plony.

Każdy element filmu Siedmiu samurajów jest starannie opracowany: od rekrutacji przez lidera samuraja Kambiego sześciu pozostałych samurajów, z których każdy ma swoje umiejętności, osobowość i motyw, po dokładną współpracę między mieszkańcami a samurajami podczas przygotowań do walki. Te elementy narracyjne występują w filmach tak odległych jak Życie Mrówki i Trzech przyjacieli.

Odważny czas trwania filmu Kurosawy, wynoszący trzy i pół godziny, mógł zaniepokoić studia w tamtych czasach, ale współcześni widzowie wiedzą lepiej, aby nie odrzucać epickich filmów trwających trzy godziny. Szczególnie, jeśli jest to film, który regularnie zajmuje czołowe miejsca w listach ulubionych filmów krytyków.