10 Películas Más Valoradas en Letterboxd que Nunca Has Visto Pero Debes Ver

Gracias a la universalidad y proliferación del cine, incluso el cinéfilo más experimentado no puede presumir de haber visto todas las películas más aclamadas, y mucho menos las innumerables obras que existen fuera del circuito principal. Uno de los mejores lugares para buscar estas joyas ocultas es Letterboxd.

A diferencia de las puntuaciones basadas en críticos de Metacritic y Rotten Tomatoes, las clasificaciones de Letterboxd son una evaluación más democrática de lo que constituye “gran” cine. Cualquier amante del cine puede registrarse, reseñar y clasificar las películas que desee.

Entre las películas que los fans de todo el mundo han calificado con altas puntuaciones, se encuentran muchas obras no de Hollywood y no del siglo XXI que pueden sorprender a los espectadores casuales. Pero, sin duda, no será una novedad para aquellos con un conocimiento más profundo del cine, ya que entienden que el cine trasciende tanto el tiempo, el lugar, el idioma, como incluso el significado acordado del espectáculo. Y muchas películas lo demuestran.

Autumn Sonata (1978)

La película familiar de Ingmar Bergman, Autumn Sonata (1978), está muy bien valorada por los críticos por dos razones. Primero, por enfrentar dos de las obsesiones de la humanidad — el amor y el arte — sin un ganador obvio, y segundo, por hacerlo con una precisión emocional devastadora.

Este no menciona la impresionante actuación ganadora del Oscar de Ingrid Bergman como la famosa pianista madre ausente, junto con Liv Ullmann como su hija distante. Bergman ya tiene un récord de siete películas en la lista de Letterboxd “Top 250”, y Autumn Sonata es la más alta de todas, con una puntuación de 4.5 sobre 5. Curiosamente, la inspiración detrás de su guion proviene de experiencias personales con sus padres.

I’m Still Here (2024)

Muchos se preguntaban por qué una producción brasileña desconocida estaba generando tanto revuelo a medida que se acercaba la temporada de premios de 2024 y 2025. Algunos incluso dudaban de la veracidad del drama político en portugués que podría obtener un premio a la Mejor Película. Esta duda se disipa al ver dos horas de resiliencia familiar en medio de una brutal dictadura militar, tal como se muestra en I’m Still Here de Walter Salles.

Adaptado de un libro basado en eventos reales, la película se centra en una mujer cuyo marido desaparece por completo tras el régimen militar de Brasil. Los espectadores se ven obligados a confrontar la magnitud de la destrucción que los factores externos pueden causar a una institución tan íntima y sagrada como la familia.

Pero son los sacrificios necesarios para preservar esta institución de cinco (ahora irremediablemente reducida a cuatro), incluso después de la devastación, los que realmente convirtieron a I’m Still Here en una contendiente a la Mejor Película. La violencia y la brutalidad se guardan con sabiduría en segundo plano; las emociones que surgen gracias a la impresionante actuación de Eunice Pavia no.

Ran (1985)

Akira Kurosawa, el mismo genio detrás de Los Siete Samuráis y Yojimbo, nunca pensó que su proyecto personal, Ran, recibiría el respaldo financiero necesario para convertirlo en realidad. Tuvo que conformarse con diez años de dibujar su sueño en papel.

Gracias al productor francés Serge Silberman, su sueño se hizo realidad, aunque a costa de convertirlo en la película japonesa más cara jamás realizada. Así, el cine fue bendecido con una de las mejores películas jamás hechas.

Kurosawa basa Ran en la obra de William Shakespeare, Rey Lear, en la que se desarrolla una guerra civil en el Japón feudal después de que la decisión de un líder militar de abdicar de su trono ante sus tres hijos (hijas en la obra de Shakespeare) sale mal. Sin duda, las escenas de acción toman inspiración de Saving Private Ryan de Steven Spielberg y de Kagemusha de Kurosawa, con sangre representada de forma impersonal, rápida y despiadada.

City of God (2004)

El drama criminal brasileño de Fernando Meirelles y Kátia Lund toma su título del barrio Cidade de Deus (Ciudad de Dios) en uno de los muchos favelas (barrios pobres) de Río de Janeiro, que proporciona el escenario vívido de la película. La pobreza, la negligencia sistémica y, por supuesto, el crimen organizado se experimentan a través de los ojos de un joven aspirante a fotógrafo, Rocket (Buscapé), mientras que el público observa dos décadas de jóvenes y sus ambiciones atrapadas en ciclos de violencia.

La Ciudad de Dios es la película internacional de gánsteres con la mejor calificación en Letterboxd y obtuvo cuatro nominaciones a los Premios de la Academia en 2004, incluyendo Mejor Director y Mejor Guion Adaptado. Con esto, abrió el camino para que futuras películas brasileñas, como Todavía Estoy Aquí, lograran reconocimiento a nivel mundial.

Oldboy (2003)

Un hombre sostiene un martillo en el aire en Oldboy

Dirigida por Park Chan-wook, el protagonista de Oldboy, Dae-su (Choi Min-sik), es secuestrado y posteriormente sometido a tormentos psicológicos y físicos en aislamiento sin que nunca se le diga su crimen. Cuando es liberado abruptamente después de 15 años, la venganza lo domina y él rastrea a su captor en una historia que se desarrolla y que puede ser correctamente considerada la madre de todos los giros argumentales.

Si eso suena morbidamente adictivo, es porque lo es. Suficiente, aparentemente, para incluso excitar excesivamente a un director tan austero como Quentin Tarantino, quien fue el presidente del jurado durante su victoria con el Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes de 2004.

Oldboy está repleto de todo, desde una escena icónica en la que Dae-su se traga un pulpo vivo entero hasta una famosa pelea en un pasillo en una sola toma. Todo es una imagen impactante y una acción dentro de una película en idioma coreano.

The Fifth Seal (1976)

The Fifth Seal es, sin duda, la mayor obra del cine húngaro. No es Dunkirk ni All Quiet on the Western Front. Pero la adaptación de la novela de Ferenc Sánta es igual de digna de ser considerada una de las obras de drama bélico más profundas jamás realizadas. Al igual que Darkest Hour, The Fifth Seal abandona la violencia espectral de la Segunda Guerra Mundial, y casi toda la película tiene lugar en un pub.

En cambio, reduce el conflicto a una simple pregunta planteada por un camarero: “¿Prefieres vivir como un tirano poderoso pero cruel, o como una víctima impotente pero moralmente íntegra de ese tirano?”. Es un dilema moral que enfrenta la supervivencia contra la integridad moral, especialmente durante la presión autoritaria fascista que afectó a Hungría al final de la guerra.

El público familiarizado con la Biblia reconocerá el título de la película como referencia al Quinto Secreto del Libro de Apocalipsis, que simboliza la rendición de cuentas y el juicio. Que una película del bloque del Este pudiera ganar el premio del Jurado del Festival de Cannes en pleno período de la Guerra Fría dice mucho sobre la universalidad de la pregunta que The Fifth Seal de Zoltán Fábri se atreve a plantear.

Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004)

Clementine observando a Joel durmiendo en Eternal Sunshine of the Spotless Mind

Todos aman un final feliz para un viaje romántico, ya sea en la vida real o en la pantalla. Sin embargo, Eternal Sunshine of the Spotless Mind ofrece algo mucho más inquietante y perdurable.

En él, la pareja, Joel (Jim Carrey) y Kate (Clementine Kruczynski), borran los recuerdos del otro después de su separación. El proceso resulta ser todo menos agradable para Joel, quien gradualmente se da cuenta de que el amor y el fracaso son inseparables. En otras palabras, el propio dolor que quiere borrar es lo que dio sentido a la relación en primer lugar.

El final agridulce de Eternal Sunshine of the Spotless Mind, su enorme valor para la re-vision y la alquimia creativa entre Michel Gondry y Charlie Kaufman — una de las parejas de guionista y director más potentes — explican por qué esta película es ampliamente considerada como una de las historias de amor más celebradas del cine del siglo XXI. También explica su estatus de película de culto y su alto puesto en Letterboxd.

Cinema Paradiso (1988)

Escrita y dirigida por Giuseppe Tornatore, con una banda sonora ganadora de BAFTA de Ennio y Andrea Morricone, Cinema Paradiso es considerada una de las mejores películas sobre la adolescencia jamás realizadas. Entre las películas italianas en Letterboxd, solo The Good, the Bad and the Ugly (1966) tiene una mejor valoración.

Como sugiere el título (“New Paradise Cinema” en inglés), la película vendió la magia del cine en sí, junto con el amor, la conexión y la nostalgia, al público italiano cuando se estrenó en 1988. Presenta el cine como un espacio de escape e imaginación para el joven Salvatore Di Vita (Salvatore Cascio) de la realidad de su pueblo siciliano, marcado por la guerra.

Cinema Paradiso es la historia de un profeta que no es apreciado en su ciudad natal. El público local no estaba realmente interesado en la película en taquilla, hasta después de que la película ganara el premio de Mejor Película de Lengua Extranjera en los Premios de la Academia de 1989 y el Gran Premio del Jurado en Cannes ese mismo año.

Come and See (1985)

Hay una razón por la que la épica de guerra de 1985 de Emil Klimov, Come and See, es una de las pocas películas que tienen una calificación de 4.6 y superior sobre 5 en Letterboxd. Esto se debe a que pocas películas en el cine confrontan al espectador con tanta honestidad implacable sobre un tema desensibilizado.

La imagen de Flyora, un adolescente, uniéndose con entusiasmo a la resistencia soviética, solo para encontrarse con las realidades de la ocupación nazi de su pueblo bielorruso durante la Segunda Guerra Mundial y el sufrimiento y el colapso moral que la acompañan, no desaparece fácilmente. En pocas palabras, es, sin duda, una de las mejores películas anti-guerra en la historia del cine.

La negativa de Come and See* a suavizar el impacto psicológico de la guerra, irónicamente, funciona en su contra: rara vez aparece en las listas de recomendaciones fáciles. Las autoridades soviéticas frustraron los esfuerzos de Klimov para llevar el proyecto a la luz, ya que desmitificaba la guerra en una medida que se consideraba incompatible con la sociedad soviética.

Los Siete Samuráis (1954)

Los samuráis protagonistas están sentados en una colina en Los Siete Samuráis

Otro de los muchos grandes trabajos de Akira Kurosawa, Los Siete Samuráis, es una historia clásica sobre los beneficios del trabajo en equipo y las divisiones entre las clases sociales. Ambientada en Japón del siglo XVI, los siete samuráis (ronin) protagonistas son contratados por campesinos para proteger su aldea y, lo más importante, para proteger sus cosechas de los bandidos que regresan cada temporada de cosecha para robarlas.

Cada aspecto de Los Siete Samuráis está meticulosamente elaborado: desde el reclutamiento del samurái principal, Kambei, por los seis samuráis restantes, cada uno con sus propias habilidades, personalidad y motivos, hasta la cuidadosa colaboración entre los aldeanos y los samuráis mientras se preparan para la batalla. Estos elementos narrativos están presentes en películas tan distantes como A Bug’s Life y Three Amigos.

La duración audaz de tres horas y media de Kurosawa podría haber alarmado a los estudios en aquel entonces, pero los espectadores modernos saben que es mejor no descartar una película épica de tres horas. Especialmente si esa película es consistentemente una de las favoritas de los críticos de todos los tiempos.